万变不离其韵：戏曲界的千面歌者

万变不离其韵：戏曲界的千面歌者

在江南某个古戏楼里，一位身着素缎的女子正在候场。前幕唱的是越剧《红楼梦》选段，她捏着水袖轻移莲步；中场换作京剧《贵妃醉酒》，转眼间凤冠霞帔加身；压轴的黄梅戏《女驸马》开锣，她竟能用大别山方言唱得字正腔圆。这样的场景并非天方夜谭，在当代戏曲界，确实存在着这般能融通诸般声腔的千面歌者。

一、百戏穿云的秘密

戏曲界流传着千斤念白四两唱的艺谚，道出了唱念做打的严苛标准。真正的戏曲多面手，首先要练就一副铁嗓钢喉。昆曲讲究水磨腔的婉转，京剧注重脑后音的穿透，梆子戏需要高亢激越的云遮月。河北梆子名家裴艳玲幼年学戏时，师傅让她对着一碗水练声，要求唱到水面泛起涟漪却不能溅出水花，这般严苛训练锻造出收放自如的嗓音控制力。

已故京剧大师梅葆玖曾回忆，其父梅兰芳为揣摩不同行当的发声技巧，常在深夜独自绕行四合院，时而唱青衣的柔媚，时而练老生的苍劲。这种打破行当壁垒的探索，恰是多面手们的基本功。当代越剧名家王志萍为掌握评弹的吴侬软语，专门到苏州茶馆偷师三年，将评弹的糯米腔化入越剧唱腔，成就了独特的王氏韵味。

二、游走于声腔间的精灵

裴艳玲的传奇堪称典范。这位出身河北梆子世家的艺术家，既能用梆子腔唱出《钟馗嫁妹》的悲怆，又能以京剧韵白演绎《夜奔》的苍凉，甚至将昆曲的啭喉技巧融入武戏开打时的哇呀呀叫板。她说：声腔如水，该激荡时如钱塘潮涌，需婉转处似山涧鸣泉。这种对声音的驾驭，让她的林冲既有武生的英武，又透着文人的萧索。

上海昆剧团当家小生张军则是另一类典型。他既能严守昆曲格律唱《牡丹亭》，又敢在实验剧场用R\u0026B节奏改编《玉簪记》。更令人称奇的是，他在京剧《曹操与杨修》中反串老生，把曹操的多疑与霸气压进周信芳风格的麒派唱腔里。这种不守规矩的跨界，恰恰展现了传统声腔的无限可能。

三、打破无形的藩篱

在山西某戏曲学校，00后学员李晓燕的课表令人咋舌：晨功是晋剧咳咳腔，上午学黄梅戏的平词花腔，下午练京剧的西皮流水，晚上还有两小时昆曲身段课。这种杂食式培养正在颠覆一戏一师的传统模式。青年演员们像采蜜的蜂儿，在百花丛中酝酿自己的艺术之蜜。

声腔融合的化学反应正在发生。当豫剧的炸音遇上越剧的清板，当川剧高腔混入评剧的慢三眼，新的戏曲语言悄然生长。这种现象不是简单的大杂烩，而是如武夷岩茶的拼配艺术，不同品种经过精心配比，最终催生出超越原味的岩骨花香。

站在古戏楼的雕花木窗前，看着那些在多重声腔间自在游走的艺术家们，忽然明白：戏曲从来不是凝固的标本，而是流动的江河。那些能唱百戏的歌者，恰似水面的粼粼波光，既映照出传统的深邃，又折射着时代的虹彩。他们用声音作舟楫，载着千年戏曲，驶向更广阔的江海。